10 TOP Polish Design by Dorota Koziara

Prezentowana po raz pierwszy podczas 10. Nocy z designem wystawa 10 TOP by Koziara była przeglądem najciekawszych –  według Doroty Koziary – przykładów polskiego wzornictwa. Na wystawę, którą będzie można oglądać jeszcze do połowy lipca w GW Domar,  

Pomysł zrealizowania wystawy 10 TOP by Dorota Koziara zrodził się u organizatora wydarzenia Noc z Designem, którym jest Galeria Wnętrz Domar. W tym roku Noc z Designem obchodzi swój jubileusz 10-lecia,a ja otrzymałam zaszczytną propozycję objęcia roli Art Dyrektora całości festiwalu. 10 lecie już tego wydarzenia promującego współczesny polski i światowy design jest także okazją do refleksji nad jego obecną sytuacją stąd hasło jakie zaproponowałam: “Skąd przychodzimy ? Kim jesteśmy ? Dokąd idziemy ? “ 

W bogatym programie tegorocznej jubileuszowej edycji festiwalu wystawa “10 TOP by Dorota Koziara” jest moim osobistym wyborem najlepszych przykładów, dla mnie Ikon Polskiego Designu. Wśród wybranych produktów są  historyczne, które mimo swojej ogromnej wartości, jaką wniosły w historię polskiego designu, nie mogły ze względu na sytuację polityczną Polski w tamtych latach kiedy powstały, ujrzeć światła dziennego na poziomie światowym ale wspaniale towarzyszyły Polakom w ich codziennym życiu w ówczesnej Polsce.

PROJEKTY PREZENTOWANE NA WYSTAWIE 10 TOP BY DOROTA KOZIARA:

1. FOTEL RM 58 (Roman Modzelewski)

RM58 to jeden z najbardziej rozpoznawalnych projektów Romana Modzelewskiego, który przyniósł artyście międzynarodową sławę. Fotel do dziś uznawany jest za perłę polskiego designu. Jego siedzisko i oparcie wykonane są z miękkiego włókna poliestrowo-szklanego, a proste nogi – z metalu. Zastosowanie tych materiałów w latach pięćdziesiątych XX wieku, było niezwykle nowatorskie i odbiło się szerokim echem w całej Europie. Jeden z prototypów BM58 można oglądać w Victoria & Albert Museum w Londynie. Od 2012 roku krzesło produkowane jest seryjnie.

ROMAN MODZELEWSKI

Urodził się w 1912 roku na Litwie, w miejscowości Łoździeje, zmarł w 1997 roku w Łodzi. Edukację artystyczną rozpoczął w Warszawie, w Akademii Sztuk Pięknych. Tam pod okiem Felicjana Kowarskiego, a później Leonarda Pękalskiego kształcił się w Katedrze Malarstwa. Początkowo zachwycał się malarstwem impresjonistycznym, jednak szybko wykształcił swój własny styl, który później określono mianem solaryzmu. Z malarstwem nie związał się jednak na długo. W latach pięćdziesiątych Roman Modzelewski zainteresował się wykorzystaniem tworzyw sztucznych i możliwościami artystycznymi, jakie dają te materiały. Tak zaczęła się jego przygoda ze sztuką użytkową. W tym czasie powstały prototypy znanych do dziś krzeseł. Roman Modzelewski był także zaangażowany w pracę dydaktyczną i wykształcił wiele pokoleń polskich artystów. W 1952 roku objął stanowisko rektora, a później dziekana w Państwowej Szkoły Sztuk Plastycznych w Łodzi (obecnie ASP). Tam też wykładał prawie przez 40 lat.

2. KRZESŁO TYP 200-190 (Rajmund Hałas)

Kultowe krzesło zaprojektowane w 1963 r. przez prof. Rajmunda Hałasa jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych projektów polskiego designu doby PRL . Oryginalnie produkowane było przez Paczkowską Fabrykę Mebli. Jest ono połączeniem pięknej formy i funkcjonalności. Posiada prostą modernistyczną sylwetkę. Cechują je opływowe organiczne kształty charakterystyczne dla wzornictwa przemysłowego lat 60. XX w. Konstrukcja wykonana jest z drewna bukowego a siedzisko i oparcie są tapicerowane. Model jest ergonomiczny i wygodny a dzięki niewielkim rozmiarom doskonale wpasowywał się we wnętrza ówczesnych mieszkań. „Hałas” w dalszym ciągu funkcjonuje w swoim oryginalnym kształcie, krzesło do dzisiejszego dnia pozostaje w niezmienionej formie.

RAJMUND HAŁAS

Artysta plastyk, architekt, projektant mebli. Urodził się w 1925 roku w Wielkopolsce w mieście Krobia, zmarł w 2008 roku w Poznaniu. W jego rodzinie fach stolarski przechodził z ojca na syna, dlatego już od dziecka związany był z meblarstwem. Mając 14 lat, Rajmund rozpoczął pracę w fabryce ojca, a kilka lat później rozpoczął naukę w Gimnazjum Stolarsko-Rzeźbiarskim w Cieplicach Zdroju. W tym okresie zdał też we Wrocławiu egzamin na mistrza stolarskiego. W 1951 r. Rajmund Hałas rozpoczął studia w poznańskiej PWSSP na kierunku architektury wnętrz, a w 1957 roku obronił dyplom pod kierunkiem profesora J. Staniszkisa. Po ukończeniu studiów kontynuował pracę dydaktyczną i naukową. W latach 1964-1965 Rajmund Hałas pełnił funkcję asystenta w warszawskiej ASP. W tych samych latach, jako stypendysta ONZ, wyjechał do Helsinek, gdzie poznał sławnego Alvara Aalto. Hałas studiował także w Wielkiej Brytanii, gdzie poznał Gordona Russella. Zainspirowany podróżami na Zachód, Rajmund Hałas w 1971 roku zainicjował działalność Katedry Wzornictwa Przemysłowego w PWSSP w Poznaniu. To właśnie w latach 70. Hałas rozpoczął intensywną karierę profesorską, zajmując m.in. stanowiska dziekana Wydziału Projektowania Plastycznego, prorektora do spraw artystyczno-badawczych czy kierownika Katedry Wzornictwa Przemysłowego i Pracowni Designu Inspirującego na zmianę w warszawskiej ASP jak i w rodzimej poznańskiej PWSSP. Obecnie w budynkach dawnej fabryki jego ojca Teofila znajduje się Muzeum Stolarstwa i Biskupizny.

3. TALERZE KAMIONKOWE (Zakłady Ceramiczne “BOLESŁAWIEC”)

Zakłady Ceramiczne “BOLESŁAWIEC” są najstarszym na terenie Dolnego Śląska zakładem produkującym ceramikę bolesławiecką po II wojnie światowej. Przedsiębiorstwa ceramiczne rozpoczęły działalność w oparciu o zaplecze unieruchomionych starych wytwórni i zakładów. Dla odbudowy przemysłu szczególnie zasłużył się znany krakowski artysta ceramik Tadeusz Szafran. Jednym z najważniejszych efektów jego pracy było ponowne uruchomienie w sierpniu 1946 roku przedwojennej wytwórni Reinhold & Co., która później funkcjonowała w ramach Bolesławieckich Zakładów Garncarsko-Ceramicznych, a w 1964 roku weszła w skład Bolesławieckich Zakładów Ceramicznych Przemysłu Terenowego. W 1980 roku wyodrębniły się z nich Zakłady Ceramiczne „BOLESŁAWIEC”, które otrzymały zgodę na używanie nazwy miasta. Działalność firmy zapoczątkowała okres rozkwitu tradycyjnie wytwarzanej kamionki bolesławieckiej, który trwa do dzisiaj.

Gwałtowny wzrost zainteresowania  pięknem naczyń bolesławieckich to efekt połączenia wielu wieków doświadczeń garncarskich mistrzów w zakresie technologii z nowoczesnym designem tworzonych współcześnie wzorów. Bogactwo wzornictwa ZC „BOLESŁAWIEC” Sp. z .o.o. na dzień dzisiejszy to ponad 2000 kształtów naczyń i dekoracji, wykonywanych unikalną na świecie techniką ręcznego zdobienia podszkliwnego przy użyciu stempli i pędzli. Szeroki wachlarz kształtów naczyń w jednokolorowych lub wielobarwnych dekoracjach znakowany jest dwoma logo, które potwierdzają oryginalność  ceramiki produkowanej przez ZC „BOLESŁAWIEC” Sp. z o.o..

Dbając o tradycje naczyń w szkliwach kolorowych, ZC „BOLESŁAWIEC” Sp. z o.o. prezentuje również naczynia w szkliwach nawiązujących swoją barwą do kolorów ziemi. Na wystawie zaprezentowane będą klasyczne kształty talerzy w ciemnobrązowym szkliwie.

 

4. WANNA JENA (MOWO Studio)

Łączy w sobie funkcję wanny oraz prysznica, bez konieczności montażu dodatkowych elementów w postaci kabiny czy zasłony. Odpowiednio wyprofilowany rozłożysty kołnierz otaczający część wanny, dzięki swojej wysokości i odchyleniu zapobiega rozpryskiwaniu wody podczas prysznica. Model wykonano z kompozytowego materiału – solid surface – charakteryzującego się satynowym wykończeniem wyjątkowo przyjemnym w dotyku. Awangardowy projekt Moniki Elikowskiej-Opali i Wojciecha Opali podbił serca jury prestiżowego konkursu projektowego Red Dot Design Award, gdzie otrzymał wyróżnienie Red Dot Design Award Honourable Mention 2011. Po raz pierwszy została zaprezentowana światu podczas frankfurckich targów ISH. Producent: Marmorin.

MOWO studio

Studio projektowe założone w 2010 roku przez Monikę Elikowską-Opalę i Wojciecha Opalę – oboje ukończyli Akademię Sztuk Pięknych w Poznaniu na wydziale Architektury Wnętrz i Wzornictwa.. MOWO Studio realizuje projekty z obszarów szeroko pojętego wyposażenia domu i nie tylko. Projektanci pracują w różnych technologiach oraz materiałach m.in.: w drewnie, konglomeracie, tworzywach. Tworzą projekty brył większych gabarytowo, takich jak wanny czy kolekcje mebli oraz drobniejszych – uchwytów czy odświeżaczy łazienkowych. Interesują ich różne zjawiska i działania – od  nowych technologii i materiałów po tradycyjne rzemiosło. Bliska jest  im estetyka prostoty. Wyznają zasadę by zaprojektowane przedmioty nie były sezonowe, nie podlegały modom i pozostały niezmiennie funkcjonalne i atrakcyjne pomimo upływu czasu. Twórcy współpracują m.in. z: Marmorin, Marmite, Fameg, Meble Vox, Ravi, Gamet, Loft Light. Zdobywcy wielu nagród, m.in.: 2015 Selected by Lodz Design Festiwal, Dobry Wzór 2013, Top Design Award 2013 Red Dot Design Award Honourable Mention 2011.

5. KANU (Tomasz Augustyniak)

Kanu to kolekcja mebli, która ma być ponadczasowa – jest zaprzeczeniem krzykliwego wzornictwa i dynamicznie zmieniającej się mody we wnętrzach.  Charakterystyczne mocno wyprofilowane oparcia i siedziska ukazują właściwości materiału, jakim jest sklejka i wraz ze stelażem nóg tworzą harmonijną całość. W Kanu konstrukcja i ergonomia przenikają się wzajemnie, jedno wynika z drugiego. Fotel Kanu zaprojektowano w trzech rożnych wariantach – może mieć owalny kształt i miękkie linie uzyskane dzięki zastosowaniu sklejki giętej. Dostępne warianty, możliwość lakierowania fotela, a także tapicerowania pozwalają na jego personalizację i ułatwiają użytkownikowi dopasowanie poszczególnych elementów kolekcji do wnętrza. Doskonałym uzupełnieniem kolekcji są okrągłe stoliki „Kanu”, których blaty wykonano z płyty wiórowej pokrytej laminatem HPL. Oferowane są one również z blatami ze szkła satynowanego w kolorze białym oraz ze szkła w kolorze czarnym.

Tomasz Augustyniak

Projektant i architekt wnętrz. Studiował na ASP w Poznaniu na Wydziale Architektury Wnętrz i Wzornictwa Przemysłowego, dyplom z wyróżnieniem w 1993 r. W latach 1994-1997 tworzył grupę projektantów Start. 1996–2005 współpracował z ABP Wzornik. Pracuje jako projektant dla wielu firm wśród najważniejszych Vox Industrie, Noti, Ade Line, Comforty, Profim, Mikomax, Nowy Styl, Balma, Adriana,Marbet Style, Nap, Piu design i wiele innych. Jego prace zostały pokazane na wielu wystawach w Polsce i zagranicą,  wśród najważniejszych: II Edycja Wartość Dodana – IWP, EXPO 2010, Szanghaj; ŁÓDŹ DESIGN – Łódź; Faces of Polish Design, Narodni Galerie – Praga; Noti Colours, Metaforma – Kraków; Arena Design – Poznań; Design Mai – Berlin; Design PL – Warszawa; Polish Designers Fuori Salone – Milano; Made in Poland, Museum fur Angewandte – Frankfurt; Design on Tour – Warszawa; Hotel Emotion, HOST org. Atelier Mendini – Mediolan. Zdobył wiele nagród i wyróżnień, m.in.: Złoty Medal na Miedzynarodowych Targach Poznanskich, Diament Meblarstwa, Nagroda Elle Decoration,  Prodeco 2002. W 2010 otrzymał nagrodę Designer Roku przyznawaną przez prezesa Instytutu Wzornictwa Przemysłowego w Warszawie.

6. SEVEN (Tomek Rygalik)

Wieszak wykonany z wysokiej jakości wytrzymałej stali lakierowej proszkowo w kilku radosnych kolorach do wyboru. Aby dodać wieszakom oryginalnego wyglądu, zastosowano kontrastowe haczyki na ubrania, które wyglądają jak kolorowe guziki i są jednocześnie elementami mocującymi. Wieszak jako niebanalny element wystroju doskonale wkomponowuje się we wnętrza – zarówno mieszkalne jak i biurowe. Nadaje pomieszczeniom wyrazistego charakteru. Producent: Profim.

Tomek Rygalik

Projektant, wykładowca, kurator i doktor sztuki; urodził się w Łodzi w 1976 roku. Studiował architekturę na Politechnice Łódzkiej. W 1999 roku ukończył Wydział Wzornictwa Przemysłowego na Pratt Institute w Nowym Jorku. Po ukończeniu studiów współpracował z wieloma firmami projektowymi w Stanach Zjednoczonych dla klientów jak Kodak, Polaroid, MTV, PerkinElmer, Dentsply, Unilever,Dupont. Po ukończeniu studiów magisterskich na Royal College of Art w Londynie w 2005 roku został pracownikiem naukowym w zespole badawczo-rozwojowym przy RCA. W tym samym czasie założył własne studio projektowe z siedzibą w Londynie i Łodzi. Od 2008 prowadzi pracownię projektowania na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie a w 2009 na stałe przeniósł się do Warszawy. Od 2012 prowadzi Studio Rygalik razem z partnerką, projektantką Gosią Rygalik. Współpracuje m.in. z Moroso, Noti, Profim, Ideal Standard, Siemens, Heineken czy Ikea. Od 2010 pełni funkcję dyrektora kreatywnego czołowych polskich marek meblowych jak Comforty i Paged. Realizuje wiele projektów dla instytucji kultury, m.in. Instytutu Adama Mickiewicza, Teatru Wielkiego — Opery Narodowej, Muzeum Historii Żydów Polskich, BOZAR, Zachęty, Muzeum Fryderyka Chopina, Muzeum Narodowego, Instytutów Kultury Polskiej. W 2011 był architektem polskiej prezydencji w Radzie UE.

7. PRISM (Bartek Mejor)

Dekoracyjny wazon stworzony podczas trzytygodniowego Międzynarodowego Sympozjum  “Porcelana Inaczej” w porcelanowych fabrykach południowej Polski.

Wazon PRISM nawiązuje estetyką do japońskiej sztuki origami i wykorzystuje możliwości współczesnych programów modelujących. Krucha i delikatna porcelana może momentami przypominać papier. Inspiracja papierem wynika również z tego, że pierwsze prototypy wazonu powstały właśnie z tego materiału, dopiero później zostały odlane w gipsie i w porcelanie. Pierwotny projekt został wymodelowany na komputerze, a następnie “rozłożony” na pojedyncze płaskie elementy i sklejony w trójwymiarowy obiekt.

BARTEK MEJOR

Jest absolwentem Royal College of Art w Londynie, studiował też projektowanie ceramiki w Bath School of Art & Design. Od dziesięciu lat współpracuje z portugalską marką Vista Alegre, która jest wiodącym producentem porcelany i kryształu. Współpracował również z Wedgwood i Royal Doulton. Jego nowe kolekcje porcelany są regularnie prezentowane na światowych targach, a prace autorskie pokazywane były na kuratorskich wystawach, m.in. na wystawie New Designers w Londynie, a także w Muzeum Narodowym im. Puszkina w Moskwie. Prowadzi pracownię projektowania ceramiki na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie. W plebiscycie polskiej edycji Elle Decoration uzyskał tytuł Młodego Projektanta Roku (Young Designer Talent 2014). Trzykrotnie został wyróżniony nagrodą Must Have przyznawaną najlepiej zaprojektowanym polskim produktom.

W swojej pracy jako projektant i twórca Bartek Mejor wykorzystuje w pełni możliwości oferowane przez współczesne technologie i łączy je z tradycyjnymi technikami rzemieślniczymi.

8. MY DEAR (Agnieszka Bar)

Wizerunek jelenia wykonany na podobieństwo trofeum myśliwskiego zaprasza do „oswajania” poprzez dowolne komponowanie brakującego poroża przy użyciu świeżych kwiatów, liści czy gałęzi.  Praca jest zarówno krytyką okrucieństwa wobec zwierząt, jak i próbą stworzenia więzi między użytkownikiem a obiektem, a także pobudzenia do refleksji na temat roli ludzi w życiu zwierząt i ich wzajemnych relacjach. Praca ze szkła warstwowego, dmuchanego i ręcznie formowanego metodami hutniczymi. Unikat wykonany na zamówienie.

Agnieszka Bar

Jest absolwentką Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu na kierunku Wzornictwo, Projektowanie Szkła. Studiowała także sztuki użytkowe na Academy of Fine Arts and Design w Bratysławie oraz w Technic University w Libercu.

Agnieszka Bar należy do najmłodszego pokolenia polskich designerów, jej prace podbijają światowy rynek wzornictwa. Artystka specjalizuje się w szkle. Projektuje, a także samodzielnie wykonuje przedmioty codziennego użytku, naczynia oraz unikatowe obiekty refleksyjne do przestrzeni prywatnych i publicznych. Współpracuje z rzemieślnikami i ośrodkami szklarskimi w Polsce i za granicą. Jest współzałożycielką Grupy Projektowej WZOROWO (2009-2014) w ramach której wraz z Agnieszką Kajper i Kariną Marusińską prowadziła działania projektowe w obszarze szkła i ceramiki a także projekty artystyczne i edukacyjne. Obecnie wykłada i prowadzi projekty badawcze na swojej macierzystej uczelni – Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu.

9. FOTEL B-1620 (Pawlak & Stawarski)

Zachwyca prostotą i minimalizmem formy. Posiada nietypową ażurową podstawę wykonaną z litego drewna. Nogi o okrągłym przekroju łączą się w jednym miejscu, tworząc charakterystyczne wiązanie, zaś siedzisko i oparcie wykonane z giętej sklejki sprawiają wrażenie miękko zawieszonych nad stelażem i swoją formą eksponują detale konstrukcyjne. Taka budowa elementów pozwala na wybarwianie osobno oparcia i siedziska oraz stelaża. Umożliwia to zestawianie kolorów i materiałów, a w połączeniu z elementami tapicerowanymi otwiera drogę do dowolnego kreowanie charakteru mebla.

Pawlak & Stawarski

Pracownia zajmująca się projektowaniem produktu oraz grafiki użytkowej, projektowania wnętrz i wystaw. Założona w roku 2014 przez Bartłomieja Pawlaka i Łukasza Stawarskiego. Obaj ukończyli Wzornictwo Przemysłowe na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu, dziś pracują na macierzystej Uczelni. Pracują dla ważnych polskich marek m.in. dla: Fameg, Meble VOX, Polskiej Fabryki Porcelany Ćmielów i Chodzież, Alvo Medical czy Marmite. Prace duetu projektantów były prezentowane na kilkunastu wystawach i festiwalach designu. W swojej pracy cenią oryginalność stosowanych rozwiązań, skupiają się na dopracowaniu funkcji i detalu. Chcą aby każdy zaprojektowany przez nich produkt miał swój niepowtarzalny charakter. Ich prace doceniają jury polskich i międzynarodowych konkursów m.in.: iF Design Award, German Design Award, Top Design, Must Have.

10. KRZESŁO POLONIA (Jadwiga Husarska-Sobina)

Krzesło charakteryzują subtelne i delikatne linie. Jest jednym z najlżejszych krzeseł drewnianych na rynku polskim, waży zaledwie 3 kg, a jednocześnie jest niezwykle trwałe. Polonia ma charakterystyczne toczone nogi, które podkreślają lekkość jej formy.   Założeniem projektowym do zestawu Polonia było myślenie o niewielkich przestrzeniach, dlatego stół i krzesło mogą się sztaplować aż do 8 sztuk. Kolekcja Polonia spotkała się z uznaniem odbiorców na całym świecie. Kolekcja Polonia projektu Jadwigi Husarskiej została wyróżniona w plebiscycie Must Have!, organizowanym przez Łódź Design Festival.

 

Jadwiga Husarska-Sobina

Założycielka Husarska Design Studio, które zajmuje się projektowaniem produktu na potrzeby wdrożeń przemysłowych. Absolwentka i konsultantka na Wydziale Form Przemysłowych Krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych. Studiowała design w Lahti Institute of Design w Finlandii oraz na MOME w Budapeszcie. Projektuje dla Gatta, Egzotech, Sansiwss, Nowy Styl Groupe, Apus Sports oraz Paged S.A. Została odznaczona przez UNDP tytułem „Anioła ekonomii społecznej” za wsparcie w rozwoju marki WellDone na rzecz Fundacji Być Razem. Ma na swoim koncie  ponad 80 wdrożeń rynkowych w różnych gałęziach biznesu. Zaprojektowane przez nią produkty obecne są w sklepach na całym świecie i w prywatnych kolekcjach. Laureatka licznych konkursów międzynarodowych w tym RedDot 2017.

Udostępnij ten artykuł

Zapisz się do newslettera

Wpisz szukane słowo i kliknij enter