„Connected” – 9 projektantów, 3 gatunki drewna, 1 warsztat

9 projektantów, 3 gatunki drewna, 1 warsztat – „Connected” łączy projektantów odizolowanych w czasie pandemii; wśród 9 projektantów jest Polka, Maria Jeglińska.

Pandemia koronawirusa w sposób istotny wpłynęła na nasze życie, relacje międzyludzkie, a także metody pracy. W świecie designu zarówno twórcy, jak i producenci musieli dostosować procesy pracy, wykorzystując nowe technologie na potrzeby zorganizowania współpracy na odległość, realizując różnorodne zadania w zaimprowizowanych biurach domowych. “Connected” (Połączeni) to eksperyment mający na celu zbadanie, w jakim stopniu projektanci mebli i ich wykonawcy potrafili zmodyfikować swoje sposoby działania podczas zamknięcia świata spowodowanego pandemią.

Stowarzyszenie Handlowe Amerykańskiego Przemysłu Drewna Liściastego (American Hardwood Export Council – AHEC), zakład produkcji mebli Benchmark oraz Muzeum Designu w Londynie rzucają dziewięciorgu międzynarodowym projektantom wyzwanie polegające na stworzeniu stołów i krzeseł, lub innych siedzisk, które spełnią oczekiwania i potrzeby związane z połączeniem pracy i życia w domu. Zaproszeni do projektu designerzy zostali ponadto poproszeni o cyfrowe rejestrowanie w postaci nagrań wideo zmian koncepcyjnych w drodze do stworzenia swoich projektów, aby w ten sposób umożliwić obserwatorom lepsze zrozumienie podejścia do zadania.

W projekcie „Connected” udział biorą: Maria Jeglińska (Polska), Maria Bruun (Dania), Jaime Hayon (Hiszpania), Sabine Marcelis (Holandia), Sebastian Herkner (Niemcy), Ini Archibong (Szwajcaria), Heatherwick Studio (Wielka Brytania), Studio Swine (Wielka Brytania/Japonia) i Studiopepe (Włochy).

Prace zrealizowane w projekcie zostaną zaprezentowane w Muzeum Designu w Londynie w ramach instalacji o nazwie „Connected”, gdy tylko muzeum ponownie otworzy się dla publiczności. Będzie to moment wspólnego przeżywania, pozwalający nacieszyć się ponownym fizycznym połączeniem ludzi po czasie izolacji.

Projekt „Connected” – razem, choć osobno

Oprócz stworzenia koncepcji, celem projektu „Connected” będzie zweryfikowanie, jak projektanci poradzą sobie z pięknym i zrównoważonym surowcem, jakim jest amerykańskie drewno liściaste. Sposób prowadzenia projektu sam w sobie będzie wyzwaniem w zakresie innowacyjnego podejścia do pracy z drewnem, a zarówno projektanci, jak i wykonawcy mebli z zakładu Benchmark, którzy będą realizować powstałe pomysły zmierzyć się będą musieli z ograniczeniami wynikającymi z wyłącznie cyfrowej komunikacji. Taka metodyka pracy będzie wymagała ogromnego zaufania do wykonawców, ponieważ tylko oni będą mieli fizyczny kontakt z projektami do czasu ich ukończenia i wystawienia w Muzeum Designu.

– Aktualnie ważne jest odkrywanie nowych sposobów pracy zdalnej i tworzenia na odległość. To nie tak, że dopiero teraz po raz pierwszy tworzymy meble przy użyciu cyfrowych narzędzi komunikacji – po raz pierwszy projektujemy meble w pełni cyfrowym środowisku, bez możliwości odwiedzania warsztatu przez projektantów – powiedział Sean Sutcliffe, założyciel zakładu Benchmark Furniture. – Ciekaw jestem, jak okres zamknięcia wpłynął na sposób myślenia projektantów o procesie tworzenia produktu. W jaki sposób praca z domu wpływa na myślenie o meblach w naszych domach i ich właściwości funkcjonalne – dodał Sutcliffe.

Swoje koncepcje projektanci będą rozwijać wspólnie z wybranymi pracownikami zakładu Benchmark w hrabstwie Berkshire w Anglii, z którymi będą pracować w dwuosobowych zespołach. Zadaniem Benchmark będzie ponadto zapisanie wszystkich danych produkcyjnych poszczególnych projektów, co pozwoli AHEC na stworzenie podsumowania wpływu produkcji na środowisko (LCA – lifecycle assessment). Sami projektanci poproszeni zostali, aby przez najbliższe letnie miesiące tworzyć serię reportaży wideo, które będą regularnie udostępniane na stronie internetowej projektu i w mediach społecznościowych. Reportaże zostaną dodatkowo wykorzystane w filmie dokumentalnym, który opowiadać będzie o drogach, jakie przeszli projektanci w procesie twórczego opracowywania stołów i siedzisk z drewna.

Po ukończeniu prac ich efekty pokazane zostaną jesienią tego roku w atrium Muzeum Designu w Londynie, prezentując zarówno treści wirtualne, jak i realnie stworzone meble, klamrą zamykając w ten sposób okres izolacji wywołany pandemią.

Projekt „Connected” – zrównoważony rozwój

Jak zawsze w przypadku Stowarzyszenia AHEC i zakładu Benchmark, u podstaw projektu leży przesłanie zrównoważonego rozwoju.

– Do projektu zaprosiliśmy projektantów z całej Europy, którzy w mniejszym lub większym stopniu znajdują się w izolacji i są zmuszeni do pracy w samotności. W przedsięwzięciu, które nazywamy „Connected” chcemy wykorzystać ich indywidualną kreatywność, a jednocześnie zgromadzić ich wszystkich wokół wspólnego celu – powiedział dyrektor AHEC na Europę, David Venables. – Nasz projekt oparty jest na wykorzystaniu trzech rzadko wykorzystywanych gatunków drewna amerykańskiego: czerwonego dębu, klonu i wiśni, które łącznie stanowią ponad 40% wszystkich drzew liściastych w amerykańskich lasach. Wszystkie z tych gatunków mogą pochwalić się pięknym drewnem i zależy nam na tym, aby projektanci odkryli ich potencjał estetyczny i surowcowy. Kładziemy przy tym nacisk na korzyści środowiskowe wynikające z większego wykorzystania zasobów dostępnych w przyrodzie, ponieważ koncentrowanie się na niewielkiej grupie wybranych gatunków drewna prowadzi do presji podażowej. Naszym obowiązkiem jest poszerzać dostępny wybór – dodał David Venables.

Justin McGuirk, główny kurator w Muzeum Designu, dodał: – Zlecenie dziewięciorgu projektantom wykonania drewnianych mebli niekoniecznie brzmi szczególnie oryginalnie. Ale żyjemy teraz w niezwykłych czasach. Wszyscy spędzamy bardzo dużo czasu w domu, co sprawia, że staramy dostosować się do nowych sposobów pracy. Pandemia zmusiła projektantów do zupełnie nowego spojrzenia na swoje domowe studio – czego tak naprawdę im potrzeba? „Connected” to niecodzienna możliwość, aby uczestnicy projektu mogli zaprojektować sami dla siebie, ale najważniejszym wyzwaniem jest dla nich konieczność całkowitego poddania się czasom i prowadzenia komunikacji wyłącznie za pośrednictwem mediów cyfrowych. Trudno o coś bardziej aktualnego – już teraz czekamy na prezentację efektów ich prac w Muzeum Designu.

Elementy niedrewniane wykorzystane w projektach zostaną pozyskane w sposób etyczny.

Projektanci biorący udział w projekcie „Connected”

INI ARCHIBONG, SZWAJCARIA

Projekty Ini Archibonga wyróżnia głęboka dbałość o mistrzowskie wykonanie oraz ścisłe powiązanie z technologiami, zarówno nowoczesnymi, jak i tradycyjnymi. Projektant czerpie inspirację z takich dziedzin jak architektura, projektowanie przemysłowe i środowiskowe i oraz ze swoich długoletnich pasji obejmujących m. in. matematykę, filozofię i religioznawstwo. Swoją wizję i metody pracy wciela w życie w wielu dziedzinach, a do jego klientów należą m. in. Hermès, Knoll, de Sede, Bernhardt, Sé, czy Vacheron Constantin.

Urodzony w rodzinie nigeryjskich imigrantów, którzy przybyli do USA w celu rozwijania kariery naukowej, Ini Archibong wychował się w kalifornijskiej Pasadenie, gdzie ukończył Politechnikę oraz Art Center College of Design. Projektant przeniósł się do Szwajcarii, aby tam poszerzać swoją wiedzę i gdzie uzyskał tytuł magistra w dziedzinie rzemiosła i designu luksusowego na prestiżowej École Cantonale d’art de Lausanne (ECAL). Jego prace wystawiane są m. in. w londyńskim Muzeum Wiktorii i Alberta, Alyce de Roulet Williamson Gallery w Pasadenie, Galerie Triode w Paryżu, Museo Bagatti Valsecchi w Mediolanie, czy Dallas Museum of Art.

Archibong mieszka i pracuje w Neuchâtel w Szwajcarii, gdzie blisko współpracuje z najwyższej klasy szwajcarskimi technikami, zegarmistrzami oraz rzemieślnikami.

MARIA BRUUN, DANIA

Maria Bruun Design to mieszczące się w Kopenhadze, w Danii, studio projektowania mebli założone przez Marię Bruun z Cand. W zakres jego oferty wchodzi kompleksowy nadzór artystyczny oraz projektowanie wnętrz i mebli. Co sprawia, że dane projekty podobają się odbiorcom bardziej niż inne? Oto pytanie, na które Maria Bruun stara się znaleźć odpowiedź w swoich projektach. Jej kopenhaskie studio specjalizuje się przede wszystkim w projektowaniu przemysłowym i wystaw. Prace projektantki to udany mariaż subtelnego, intuicyjnego podejścia z perfekcyjnym designem.

Bruun pracuje sama lub współpracuje z wysoko wykwalifikowanymi rzemieślnikami, koncentrując się na poznawaniu nowych technik i metod pracy lub zdobywając wiedzę na temat wybranych surowców i materiałów. Niektóre jej projekty to koncepcje introspekcyjne, których celem jest stworzenie nowego doświadczenia i nadanie nowego wymiaru określonej formie lub materiałowi. Zdaniem projektantki, takie metody pracy znajdują swoje najpełniejsze odzwierciedlenie w końcowym produkcie. Prawie wszystkie przedmioty zaprojektowane przez Bruun są efektem serii powtórzeń, co doskonale oddaje istotę jej procesu twórczego. Używając terminologii projektantki, każda koncepcja winna charakteryzować się elastycznością z punktu widzenia skali, wariantu oraz funkcji.

Maria Bruun jest współzałożycielką R E F O R M Design Biennial – odbywających się co dwa lata targów oraz platformy zapewniającej możliwości rozwoju obiecującym młodym projektantom. Współtworzy ponadto duet MBADV, który realizuje tworzy projekty z pogranicza sztuki, architektury i designu.

JAIME HAYON, HISZPANIA

Hiszpański artysta i projektant Jaime Hayon urodził się w Madrycie w 1974 r. Swoją artystyczną wizję w pełni zaprezentował w ramach instalacji ‘Mediterranean Digital Baroque’ i ‘Mon Cirque’. Powyższe kolekcje uczyniły go jednym z pionierów nowej fali, której przedstawiciele zacierają granice pomiędzy sztuką, dekoratorstwem, a designem. Zapoczątkowały ponadto prawdziwe odrodzenie w dziedzinie kunsztu wykonania przedmiotów w kontekście współczesnej kultury projektowania.

Wizja Jaime zdążyła się ugruntować w ramach kolejnych autorskich wystaw i pokazów w największych galeriach oraz na najbardziej znanych targach designu i sztuki na całym świecie. W 2001 r. projektant założył Hayon Studio, którego klientela wywodzi z różnych branż i poszukuje różnych produktów, w tym mebli do domu (B.D. Barcelona, Cassina, Fritz Hansen, &Tradition i Magis; oprawy oświetleniowe (Parachilna, Metalarte i Swarovski) oraz produkty luksusowe (Bisazza, Lladró i Baccarat). Jaime jest również autorem kompletnych wnętrz dla najlepszych hoteli, restauracji, muzeów oraz lokali usługowych na całym świecie.

Dzięki lokalizacji siedziby głównej Hayon Studio w Walencji oraz oddziałów w Barcelonie i włoskim Treviso, projekty Hayona pojawiły się w najbardziej prestiżowych publikacjach z dziedziny sztuki i designu na całym świecie. Projektant jest zdobywcą licznych nagród, w tym wielokrotnym laureatem Elle Decoration International Design Awards, trafił na listę 100 najbardziej wziętych i uznanych projektantów Wallpaper Magazine oraz został uznany przez redakcję czasopisma za jednego z najbardziej wpływowych twórców ostatniej dekady. Times okrzyknął go „wizjonerem” i jedną z największych ikon branży kreatywnej.

SEBASTIAN HERKNER, NIEMCY

Sebastian Herkner studiował projektowanie przemysłowe w szkole projektowania HfG Offenbach Main. Jeszcze jako student rozwinął zainteresowanie projektowaniem przedmiotów i mebli, pogłębiając wiedzę i doskonaląc umiejętności w dziedzinie surowców, kolorystyki i tekstur. W 2006 r. Herkner założył własne studio specjalizujące się w projektowaniu mebli, lamp i akcesoriów wnętrzarskich dla producentów takich jak Ames, &Tradition, Cappellini, ClassiCon, Dedon, Ex.t, Fontana Arte, Gubi, Linteloo, Moroso, Pulpo, Rosenthal, Schramm Werkstätten, Thonet, Wittmann i Zanotta.

Projektanta wyróżnia zamiłowanie do tradycyjnego rzemiosła, świetne wyczucie nowoczesnych technologii i koloru, dbałość o autentyczność materiałów i tekstur, a także niewyczerpana ciekawość i otwartość na inne kultury. Równowaga i intuicja to ważne i konsekwentne cechy prac Herknera, który postrzega projektowanie jako nieustanny dialog pomiędzy różnymi dyscyplinami i dziedzinami. Projektant nie waha się przemierzać najodleglejszych zakątków naszego globu w poszukiwaniu niemal zapomnianych technik rzemiosła oraz wytwórców o ponad stuletniej historii. Jego kariera nabrała prawdziwego rozpędu w 2012 r., gdy jego Bell Table (stolik w kształcie dzwonu) zrobił furorę na ClassiCon.

MARIA JEGLIŃSKA, POLSKA

Maria Jeglińska urodziła się w 1983 r. w Fontainebleau. W 2012 r. otworzyła swoje Biuro Projektowania i Badań (Office for Design & Research). W 2007 r. ukończyła studia w dziedzinie wzornictwa przemysłowego na ECAL i zdobyła stypendium fundacji IKEA, które umożliwiło jej pracę dla Galerie kreo w Paryżu, Konstantina Grcica w Monachium oraz Aleksandra Taylora w Londynie.

Jej zainteresowania kreatywne są niezwykle szerokie i obejmują m. in. projekty z zakresu wzornictwa przemysłowego, projektowanie wystaw, jak również projekty oparte na pracy badawczej w dziedzinie designu. Młoda projektantka jest przekonana, że w dzisiejszym świecie badania mogą prowokować i generować odpowiedzi na istniejące pytania oraz potrzeby. Do jej klientów należą m. in.: Ligne Roset, Kvadrat, Actus, Vitra, 1882ltd, St Etienne Design Biennale, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie.

Prace Marii Jeglińskiej są regularnie wystawiane na całym świecie, m. in. w Villa Noailles, galerii Aram, Barbican Art Gallery, Centre Pompidou Metz oraz na Triennale di Milano. W październiku 2012 r. była kuratorką wystawy pt. „Punkty widzenia-punkty siedzenia” na Łódź Design Festival, gdzie pokazała również swoje projekty. Była również jedną z kuratorek i autorką polskiego pawilonu na inauguracji London Design Biennale we wrześniu 2016 r. W 2018 r. została dyrektorem kreatywnym Targów ARENA DESIGN w Poznaniu.

SABINE MARCELIS, HOLANDIA

Sabine Marcelis to holenderska projektantka pracująca w Rotterdamie. Po ukończeniu w 2011 r. Design Academy w Eindhoven, Marcelis zaczęła pracować jako niezależna projektantka w dziedzinie projektowania przemysłowego oraz przestrzennego, zwracając szczególną uwagę na wykorzystywane w tych procesach surowce. Jej prace charakteryzują się czystością formy, która podkreśla właściwości użytych materiałów.

Współpracując ze specjalistami z branży, Marcelis przykłada wielką wagę do strony estetycznej swoich projektów. Przyjęte przez nią metody pracy umożliwiają jej udział w procesie produkcji. Młoda projektantka jest w stanie uzyskać nowe, zaskakujące efekty wizualne w projektach wystawianych w muzeach oraz przy zamówieniach dla klientów komercyjnych i domów mody, posiłkując się wynikami badań nad materiałami oraz eksperymentami w tej dziedzinie. Sabine uważa, że jej projekty nie są zwykłymi instalacjami statycznymi, lecz prawdziwymi doświadczeniami sensorycznymi, gdzie doświadczenie zamienia się w funkcję o wyrafinowanej i niepowtarzalnej estetyce.

Sabine zdobyła niedawno prestiżową nagrodę Wallpaper* ‘Projektant roku 2020’, Design Prize 2019 w kategorii “Debiutant Roku”, nagrodę “Młody Projektant Roku” Elle Deco International Design 2019, jak również „Zagraniczny Artysta Roku 2019 ‘GQ Men”.

HEATHERWICK STUDIO, WIELKA BRYTANIA

Heatherwick Studio to zespół ponad 200 idealistów, którzy zmieniają świat wokół nas na lepsze. W połączonym warsztacie i studiu projektowym w centrum Londynu projektują budynki, przestrzenie, tworzą wielkie plany, obiekty i infrastrukturę. Koncentrując się na projektach na dużą skalę w miastach na całym świecie projektanci wybierają te, które ich zdaniem będą miały największy pozytywny wpływ na społeczności. Członkom zespołu, którzy pracują w charakterze praktyków-innowatorów nie przywiązując się do żadnego z góry ustalonego stylu, przyświeca motywacja projektowania pełnych wyrazu, interesujących miejsc uwzględniających i podkreślających złożony charakter współczesnego świata. Od zastanych dogmatów w dziedzinie projektowania wolą podejście zorientowane na ludzkie doświadczenia.

Założyciel studia Thomas Heatherwick od dziecka interesuje się materiałami i rzemiosłem. Jego ciekawość i zamiłowanie do rozwiązywania problemów zaowocowały ukształtowaniem obowiązującego w studiu procesu twórczego, w ramach którego każdy projektant, architekt krajobrazu i twórca zachęcany jest do przełamywania kanonów i zgłaszania nowych pomysłów. Pełni entuzjazmu, a zarazem pragmatyczni członkowie zespołu słuchają, zadają pytania, a następnie kierują projektowaniem i tworzeniem wyjątkowych miejsc. Dzięki ich pomysłowości i zaangażowaniu powstają projekty przystępne cenowo, wykonalne i zrównoważone. Najważniejszy dla nich jest klient, który towarzyszy im w pracy i stawia wyzwania. Wspólnie można dostrzec możliwości, które w innym przypadku mogłyby zostać pominięte. Najlepsze projekty to takie, które mogą nas najwięcej nauczyć!

STUDIOPEPE, ITALY

Studiopepe to agencja designu założona w 2006 r. w Mediolanie przez Ariannę Lelli Mami i Chiarę Di Pinto, charakteryzująca się interdyscyplinarnym podejściem do projektowania. Specjalizuje się w projektowaniu wnętrz (sklepy, hotele, klienci indywidualni), produktów, usługach architektonicznych oraz nadzorze artystycznym. Stosowany przez Studiopepe język projektowania jest eklektyczny, wielowymiarowy i łączy poetycką wizję z rygorystycznym podejściem do designu. Obszary działania i zagadnienia poruszane przez Studio obejmują sztukę, instalacje, analizę formalnych archetypów oraz dialog pomiędzy skrajnościami.

Projekty Studiopepe wyróżnia silna tożsamość ikonograficzna, oparta na skłonności do eksperymentowania, nieustannych badaniach nad kolorami i materiałami, czerpiąc przy tym z różnych współczesnych języków wyrazu. Efekt? Niepowtarzalne rozwiązanie dostosowane do indywidualnego charakteru każdego klienta.

STUDIO SWINE, WIELKA BRYTANIA/JAPONIA

Studio Swine (Super Wide Interdisciplinary New Explorers) to wynik współpracy pomiędzy japońską architektką Azusą Murakami i brytyjskim artystą Aleksandrem Grovesem. Ich projekty plasują się na pograniczu rzeźby, instalacji i kina, łącząc poezję i pracę badawczą, co skutkuje tworzeniem prawdziwie immersyjnych doświadczeń. Studio kieruje się w swojej pracy unikalnym podejściem, czerpiąc z niepowtarzalnych zasobów i estetyki związanej z klimatem kulturowym, historycznym i ekonomicznym. Specjalistyczne przygotowanie projektantów umożliwia tworzenie bogatych i pełnych emocji narracji, przy jednoczesnej wysokiej świadomości przestrzennej.

Filmy Studio Swine zdobywały nagrody w Cannes i innych festiwalach filmowych na całym świecie, a prace projektantów wystawiane są regularnie w takich miejscach, jak Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie czy Biennale Sztuki i Architektury w Wenecji; należą ponadto do zbiorów m. in. nowojorskiego MoMA czy Centre Pompidou w Paryżu. Studio Swine reprezentują galerie PACE i Pearl Lam.

Benchmark Furniture

Kuźnia rzemiosła drewnianego, firma Benchmark, to jeden z największych brytyjskich producentów mebli. Ten założony przez Terence’a Conrana i Seana Sutcliffe’a w 1984 roku warsztat stolarski realizuje misję tworzenia mebli, które mają pozytywny wpływ na ludzkie zdrowie i dobre samopoczucie. Pracujący tam eksperci od drewna stosują wyłącznie naturalne, zrównoważone i nietoksyczne materiały oraz surowce.

Firma posiada dwa zakłady w Anglii, w hrabstwach Berkshire oraz Dorset, za pośrednictwem których realizuje wspólnie z wieloma znanymi na świecie architektami i projektantami projekty komercyjne i mieszkaniowe. Od drewnianego bala aż po gotowy mebel, Benchmark przez cały proces zajmuje pozycję lidera w zrównoważonym projektowaniu i produkcji. Podejście reprezentowane przez firmę łączy perspektywiczne projekty z najwyższym poziomem wykonawstwa i kreatywności, tworząc meble emanujące naturalnym ciepłem i duszą.

Muzeum Designu

Muzeum Designu to jedna z najbardziej znanych na świecie tego typu placówek, której celem jest prezentowanie współczesnej architektury i designu. Realizowane przez muzeum wystawy obejmują wszystkie aspekty projektowania, obejmujące ubiór, produkty przemysłowe i grafikę. Od chwili otwarcia placówki w 1989 roku można tam było zobaczyć praktycznie wszystko, od AK-47 to szpilek zaprojektowanych przez Christiana Louboutina. W tym czasie w salach muzeum odbyło się ponad 100 wystaw, które odwiedziło ponad pięć milionów odwiedzających.

W muzeum pokazywane były także prace jednych z najbardziej uznanych na świecie projektantów i architektów, takich jak Paul Smith, Zaha Hadid, Jonathan Ive, Frank Gehry, Eileen Gray czy Dieter Rams. 24 listopada 2016 roku Muzeum Design zmieniło siedzibę, przenosząc się do dzielnicy Kensington w zachodnim Londynie. Do przebudowy zaangażowano znanego architekta, Johna Pawsona, który przeprojektował wnętrza modernistycznego budynku z lat 60-tych XX wieku. Stworzył w nich nową, trzykrotnie większą przestrzeń, w której pokazać można jeszcze więcej wystaw i w sposób istotny poszerzyć zakres programów edukacyjnych.